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INTERPRETATIONS
Strasbourg 2016 - 2021
// TRIBUTE TO > EDOUARD MANET //
LE DEJEUNER SUR L'HERBE 01 LINED
MES DEMOISELLES D'ICI
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LE DEJEUNER SUR L'HERBE 02 LINED
LE PEINTRE ET SON MODELE
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LE DEJEUNER SUR L'HERBE 03 LINED
LE PEINTRE ET SON MODELE
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LE DEJEUNER SUR L’HERBE – Edouard MANET
En 1863, les œuvres qui créent la polémique et ne respectent pas l’académisme en peinture sont exposées dans le Salon des Refusés. Édouard Manet y expose entre autre Le déjeuner sur l’herbe.
Quatre personnages partagent un moment autour de quelques mets et profitent d’une apparente quiétude au cœur des bois. Une jeune femme assise et dénudée, nous regarde sans complexe; elle est entourée de deux hommes. Cette scène présente clairement un caractère sensuel et luxurieux, une vision réaliste des mœurs de l’époque.
Notons également que Pablo PICASSO a réalisé après 1961, 26 toiles, 6 gravures et 140 dessins d’après le tableau de Manet.
“Le Déjeuner sur l’herbe” d’Edouard Manet est un tableau qui a marqué l’histoire de l’art. Il représente une scène de la vie quotidienne, des personnages qui se réunissent pour manger, rire et s’amuser, tout en étant entourés de verdure et d’eau. C’est un tableau qui ne se prend pas au sérieux, qui respire la liberté et la spontanéité.
Ce tableau explore cette idée de nature sauvage, de liberté et de spontanéité. il joue avec les formes, les couleurs, les textures et les matériaux pour donner un nouveau souffle à cette œuvre classique.
Une version plus abstraite, met en avant les formes géométriques et les lignes de force de la scène, pour souligner la dimension formelle de l’oeuvre. Les couleurs vives et saturées rappellent l’atmosphère de fête et de bonne humeur qui se dégage de la scène originale.
En résumé, ces réinterprétations du “Déjeuner sur l’herbe” de Manet, sont une exploration de la nature sauvage, de la liberté et de la spontanéité. C’est une façon de redonner vie à cette œuvre emblématique, en lui apportant un nouveau regard, plus contemporain et plus libre.
// TRIBUTE TO > MILO MANARA //
DECLIC 01 38
DECLIC 01 38
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DECLIC 02 45
DECLIC 02 45
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DECLIC 02 68
DECLIC 02 68
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DECLIC 03 21
DECLIC 03 21
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DECLIC 03 67
DECLIC 03 67
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DECLIC 03 74
DECLIC 03 74
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DECLIC 04 23
DECLIC 04 23
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LE DECLIC de Milo MANARA a été lu par des millions de lecteurs. Cette oeuvre érotique culte, iconique et fantasmatique, a participé à l’affirmation du plaisir, à l’épanouissement de la libido chez de très nombreux lecteurs et surtout à la libération de l’expression du désir érotique et de la sexualité chez ses lectrices.
LE DECLIC, c’est un homme qui appuie sur un bouton, puis un vent d’excitation s’engouffre alors sous la robe de la dame qui a soudain très envie de… et qui se retrouve alors dans des situations de débauche plus que gênantes.
Milo MANARA précise : «Ce qui m’intéresse, c’est la transgression, l’exhibition dans l’espace public. D’ailleurs, je peux dire que, dans toute ma carrière, je n’ai jamais représenté un couple en train de baiser dans un lit»; et affirme : «Le meilleur compliment qu’on puisse me faire, c’est lorsqu’on me dit comprendre l’histoire avec les dessins sans avoir recours au texte».
Je suis fier de présenter mon travail en hommage à l’un des maîtres de la bande dessinée italienne et j’espère que mes tableaux apporteront une nouvelle perspective sur l’œuvre de Manara et sur l’école italienne de bande dessinée. Je suis convaincu que ces œuvres permettront à chacun de découvrir ou redécouvrir cet univers riche et fascinant, rempli de sensualité et de passion.
Mes tableaux sont un hommage vibrant à l’œuvre de Milo Manara, un dessinateur et scénariste italien connu pour ses bandes dessinées érotiques et son style graphique unique. En particulier, j’ai été inspiré par son livre “DÉCLIC”, qui met en scène des personnages féminins incroyablement sensuels et érotiques dans des histoires intrigantes et évocatrices.
J’ai voulu capturer la sensualité provocatrice des personnages de Manara dans mes tableaux. Pour cela, j’ai utilisé des techniques traditionnelles et modernes pour créer des œuvres érotiques qui soient à la fois élégantes et provocatrices. J’ai travaillé sur les détails et les couleurs pour donner vie à mes créations et leur donner une dimension sensuelle supplémentaire.
Mes tableaux sont un mélange de peinture acrylique, à l’encre acrylique et de peinture numérique pour créer une esthétique unique qui rappelle les œuvres de Manara. Cela permet de créer des œuvres érotiques qui soient à la fois modernes et classiques.
Mes tableaux sont également un hommage à l’histoire de la bande dessinée italienne, en particulier à l’école de la bande dessinée italienne, qui a vu émerger des artistes tels que Manara et ses prédécesseurs. J’ai voulu rendre hommage à cette tradition en utilisant des techniques classiques et des références à l’histoire de l’art pour créer des œuvres érotiques qui soient à la fois modernes et classiques.
Je suis fier de présenter mon travail en hommage à l’un des maîtres de la bande dessinée italienne et j’espère que mes tableaux apporteront une nouvelle perspective sur l’œuvre de Manara et sur l’école italienne de bande dessinée.
Je suis convaincu que ces œuvres permettront à chacun de découvrir ou redécouvrir cet univers riche et fascinant, rempli de sensualité et de passion. Les tableaux vous plongeront dans un univers érotique où le désir, l’érotisme et l’émotion sont mis en avant.
En somme, mes tableaux rendent hommage à l’œuvre de Milo Manara en apportant ma propre touche personnelle. Chacun de mes tableaux est un mélange de techniques traditionnelles et modernes, avec un accent sur les détails et les couleurs. J’ai voulu capturer la sensualité provocatrice des personnages de Manara tout en apportant ma propre touche personnelle. Je suis fier de présenter mon travail en hommage à l’un des maîtres de la bande dessinée italienne et j’espère que mes tableaux permettront à chacun de découvrir ou redécouvrir cet univers riche et fascinant, rempli de sensualité et de passion. Mes tableaux sont une invitation à plonger dans l’univers érotique de Manara, à travers une nouvelle perspective artistique, pour une expérience visuelle unique et évocatrice.
// TRIBUTE TO > EDWARD HOPPER //
PEOPLE IN THE SUN > 1960
PEOPLE IN THE SUN
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MORNING IN A CITY > 1944
MORNING IN A CITY
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SEA WATCHERS > 1952
SEA WATCHERS
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PEOPLE IN THE SUN – 1960
Des personnages languissent paisiblement sur des sièges soigneusement alignés, ils offrent leurs visages aux rayons du soleil.
Paisibles, ces personnes profitent de la sérénité du moment.
MORNING IN A CITY – 1944
Cette femme, nue, à une fenêtre, regarde dans un espace qui nous est caché situé à l’extérieur de la pièce. Regarde-t-elle dans le néant ? Est-elle préoccupée d’elle-même, inconsciente de tout ce qui se passe autour d’elle ?
Cette scène contient un érotisme secret. Apparemment réveillée par le soleil, elle regarde par la fenêtre d’un air songeur comme si elle se demandait si cela pourrait être le premier jour d’une nouvelle vie. Ce suspense érotique incite le spectateur à entrer dans l’histoire de l’inconnue.
SEA WATCHERS – 1952
Représente une scène se déroulant sur un banc en front de mer. Un couple regarde la mer, assis sur la terrasse d’une maison. Ce couple observe la mer qui est à droite et que l’on peut voir de loin. Du même côté nous pouvons deviner des rochers et un ensemble de piquets qui ne se touchent pas. A gauche, nous trouvons aussi des piquets, mais reliés par une chaîne.
L’homme semble être sur le point de se lever, tandis que la femme est bien installée à son siège.
L’œuvre d’Edward Hopper est connue pour sa capacité à capturer la solitude et l’isolement dans les scènes urbaines américaines. Ses peintures sont devenues des icônes de l’art américain, reflétant les changements sociaux et culturels de son époque.
“Morning in a City” montre une vue de New York à travers les fenêtres d’un immeuble. La peinture originale de Hopper, créée en 1944, capte l’ambiance de la ville à l’aube, avec les lumières encore allumées dans les fenêtres et les rues désertes. Cette version de cette peinture capture toujours l’essence de Hopper; celle de la solitude urbaine, mais avec une touche plus contemporaine.
“People in the Sun” montre un groupe de personnes assises sur une plage. L’original, créé en 1960, capture l’esprit des vacances d’été, avec les personnages se détendant dans la chaleur. La réinterprétation de cette œuvre, en utilisant des techniques de peinture abstraite, comme des formes géométriques pour représenter les personnages, ajoute une sensation de modernité à la scène.
“Sea Watchers” montre un groupe de personnes regardant l’océan. La peinture originale, créée en 1952, capture l’émerveillement des gens face à la nature.
En résumé, ces tableaux réinterprètent des œuvres célèbres d’Edward Hopper en utilisant des techniques et des styles modernes, tout en gardant l’esprit et la thématique de Hopper. Ils offrent une nouvelle perspective sur ces chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, en montrant comment ces œuvres d’un artiste passé peuvent encore inspirer quelque chose de nouveau et de pertinent pour notre époque.
// TRIBUTE TO > WILLY RONIS //
NU PROVENCAL - GORDES - 1949
NU PROVENCAL
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NU PROVENCAL – GORDES – 1949 – Tribute to Willy RONIS
«Avec ma femme, nous avions acheté une ruine à Gordes et nous avions décidé d’y passer nos vacances. Le confort était rustique, il n’y avait pas d’électricité et nous devions aller chercher l’eau à une fontaine. Un matin, alors que j’allais prendre mon petit déjeuner, j’ai vu ma femme en train de faire sa toilette. Je lui ai dit, ne bouge pas, et je suis allé chercher en vitesse mon Rolleiflex qui était sur le buffet. J’ai gravi deux marches de l’escalier qui montait au grenier. J’ai pris quatre photos. Pas une de plus. Cela m’a pris à peine une minute. L’agence Rapho la diffusée et elle est aussitôt devenue célèbre.» Willy Ronis
Willy Ronis est considéré comme l’un des photographes les plus importants dans la France du XXème siècle. Son travail a été largement reconnu pour sa capacité à capturer la vie quotidienne des années 1950 et 1960, notamment à travers ses photographies de la vie dans les quartiers populaires de Paris.
La peinture intitulée “Nu Provençal” est un hommage à cet artiste et à son style distinctif.
Les couleurs chaudes et les teintes douces utilisées dans la peinture créent une ambiance paisible et détendue, qui rappelle les longs après-midi d’été passés à contempler la nature en Provence. Les détails, tels que les ombres et les textures, ajoutent une dimension supplémentaire à l’œuvre, renforçant la sensation de réalisme.
La composition de la peinture est également remarquable. En plaçant le modèle nu au centre de l’image, ce point focal attire immédiatement l’attention. La position du modèle, debout devant le lavabo pour faire sa toilette, renforce cette sensation de calme et de détente, tout en créant un contraste intéressant avec les éléments environnants.
En utilisant des techniques de peinture contemporaines pour rendre hommage à Willy Ronis, cette œuvre qui est à la fois respectueuse de l’héritage de l’artiste et novatrice. La peinture “Nu Provençal” est un ajout précieux à la tradition de la représentation de la Provence dans l’art.
Enfin, le choix de la nudité comme sujet dans cette peinture ajoute une dimension supplémentaire à l’œuvre en questionnant les normes sociales et culturelles liées à la représentation du corps humain dans l’art. “Nu Provençal” est un exemple de l’utilisation de l’art comme moyen de questionner les normes et les conventions établies, et de proposer une vision alternative de la réalité.
// TRIBUTE TO > ECOLE DE FONTAINEBLEAU //
LES SOEURS D'ESTREES ABSTRACT
LES SOEURS D'ESTREES
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LES SOEURS D’ÉSTRÉES – 1594 – Tribute to ÉCOLE DE FONTAINEBLEAU
Ce tableau cacherait-il un crime presque parfait ?
Le sujet étonne par son audace : deux jeunes femmes nues, dont seuls les bustes apparaissent et un geste étrange… Une des demoiselles pince le téton de sa voisine. Quel pourrait bien être le message.
Sorti de son contexte historique ou l’une des deux soeurs, Gabrielle d’Estrées est la maitresse d’Henry IV, ce tableau représente peut-être une scène dissimulée d’un amour LGBT ?
Le tableau réinterprète l’œuvre célèbre des Soeurs d’Estrees de l’Ecole de Fontainebleau. Cette peinture originale, réalisée au début du XVIe siècle, est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre de l’école de Fontainebleau, qui a exercé une influence considérable sur l’art de la Renaissance en France.
Le geste qui consiste à pincer le mamelon est souvent utilisé dans les représentations artistiques pour suggérer la sexualité et la sensualité. Il peut être utilisé de manière explicite ou sous-entendue, et peut être considéré comme provocateur ou érotique selon le contexte. Dans l’art classique, il est souvent utilisé pour représenter les dieux et les déesses de l’amour et de la sexualité, tels que Vénus ou Aphrodite. Dans l’art moderne, il est souvent utilisé pour explorer des thèmes tels que le pouvoir et la sexualité féminine. Il est important de noter que cette représentation peut être considérée comme objectifiante et peut être perçue de manière négative par certaines personnes. Il est important de prendre en compte ces considérations lors de la création d’une œuvre d’art qui utilise ce geste.
J’ai également voulu explorer des thèmes contemporains tels que la diversité et la représentation des femmes dans l’art, en utilisant le geste des personnages féminins forts pour représenter les soeurs.
En réinterprétant cette œuvre historique, j’ai voulu montrer comment l’art peut être revisité pour s’adapter aux temps modernes tout en conservant son essence originale. Mon tableau est un hommage à l’école de Fontainebleau et à cette œuvre emblématique, tout en apportant une perspective contemporaine.
// TRIBUTE TO > Pablo PICASSO //
MES DEMOISELLES D'ICI ABSTRACT
MES DEMOISELLES D'ICI
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LE PEINTRE ET SON MODELE
LE PEINTRE ET SON MODELE
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LE PEINTRE ET SON MODELE LINED
LE PEINTRE ET SON MODELE
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MES DEMOISELLES D’ICI – 1907 – Tribute to Pablo PICASSO
Pablo Picasso doit son succès à son talent, mais surtout à son aptitude à inventer de nouvelles formes de représentations et à renouveler son travail.
Les Demoiselles d’Avignon sont un bel exemple d’avant-garde, un sujet qui s’inspire d’une maison close et adopte un style inhabituel. Ce tableau, oeuvre peu conventionnelle et radicale, marque un tournant crucial dans l’histoire de l’art et signe l’acte de naissance du cubisme.
Tableau provocateur et ambitieux, dans lequel le spectateur, dont l’attention est concentrée sur les femmes et leur nudité, se retrouve voyeur.
LE PEINTRE ET SON MODELE – 1963 – Tribute to Pablo PICASSO
Depuis un dessin daté de 1963, Pablo PICASSO a réalisé une importante série d’oeuvres consacrée au thème au peintre et à son modèle.
Il s’est pour cela inspiré par l’histoire de l’art et tout particulièrement de REMBRANDT. Il s’agit progressivement pour PICASSO d’assimiler son autoportrait à celui du peintre admiré, mais aussi de pousser la comparaison jusqu’à montrer combien la relation amoureuse du peintre est intense avec son modèle Jacqueline ROQUE, sa dernière compagne qui deviendra sa femme.
Ces deux tableaux en hommage à Pablo Picasso, réinterprétant “Les Demoiselles d’Avignon” et “Le Peintre et son Modèle”, sont des œuvres remarquables qui témoignent de l’influence indéniable de l’artiste sur la scène artistique contemporaine.
Commençons par “Les Demoiselles d’Avignon”. Cette œuvre est un hommage évident à l’une des œuvres les plus célèbres de Picasso, qui a été réalisée en 1907 et qui a été considérée comme révolutionnaire pour son temps. L’artiste a réussi à capturer l’essence de l’original tout en lui apportant une touche personnelle qui lui confère une nouvelle profondeur. Les formes sont plus douces et les couleurs plus subtiles, mais l’intensité émotionnelle est tout aussi présente. On peut noter l’utilisation d’une palette de couleurs qui apporte une nouvelle dimension à l’oeuvre, en la rendant plus accessible, tout en gardant l’ambiance de la version originale.
Le second tableau, intitulé “Le Peintre et son Modèle”, est un autre exemple de la possibilité de réinterpréter l’œuvre de Picasso. Inspiré du tableau original de 1932, il met en scène un peintre en train de peindre son modèle. Dans cette version, l’original se trouve transcendé par une œuvre qui est à la fois respectueuse et innovante. Les couleurs sont plus vives et les formes plus audacieuses, créant une tension intéressante entre le passé et le présent. On peut remarquer le jeu qui existe avec les proportions et les perspectives, les déformations des formes, qui les rendant plus cubistes, pour donner un nouveau point de vue sur l’oeuvre originale.
En résumé, ces deux tableaux en hommage à Pablo Picasso sont des œuvres remarquables qui témoignent de l’influence de Picasso sur la scène artistique contemporaine. Ces deux œuvres originales de Picasso sont réinterprétées avec respect et créativité, créant des œuvres qui sont à la fois familières et nouvelles. Elles ont réussi à garder l’esprit de l’oeuvre originale tout en lui donnant une nouvelle dimension. Ces œuvres sont à ne pas manquer pour les amateurs d’art et les amoureux de Picasso.
// TRIBUTE TO > Gustave COURBET //
NOUS SOMMES TOUS PASSES PAR LA ABSTRACT
NOUS SOMMES TOUS PASSES PAR LA
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L’ORIGINE DU MONDE – 1866
À son époque, ce tableau scandalise le public de par son audace.
Cette oeuvre se permet de dévoiler un sexe féminin avec franchise et sans artifice : un corps de femme, cuisses écartées sur un pubis exposé, et un sein qui dépasse d’un drap.
Cette oeuvre a depuis toujours été accompagnée de récits et de légendes. C’est un tableau dont on a souvent parlé sans l’avoir vu, mais toujours fantasmé.
“L’Origine du monde” est un tableau réalisé en 1866 par Gustave Courbet, un peintre français connu pour son style réaliste. Il représente une vue intime de l’anatomie féminine, mettant en scène une femme nue étendue sur un lit, les jambes écartées. Ce tableau a été peint à une époque où la société était fortement marquée par les idées victoriennes et la morale bourgeoise, ce qui rendait ce genre de représentation très choquante.
Courbet était connu pour son style réaliste et sa volonté de représenter la réalité telle qu’elle était, sans fards ni idéalisations. Il a voulu montrer la sexualité de manière brute et naturelle, sans tabous ni interdits. Il s’inscrit ainsi dans une tradition de l’art qui vise à questionner les normes établies et à provoquer le spectateur en mettant en avant des sujets considérés comme choquants. Il se positionne également en opposition aux idéaux victoriens qui prônaient la pudibonderie et la répression de la sexualité.
Le tableau a été accueilli avec scandale lors de sa première exposition publique, et a été rapidement retiré de l’exposition. Il a été caché pendant de nombreuses années, avant d’être finalement acheté par un collectionneur privé qui l’a conservé jusqu’à aujourd’hui.
Aujourd’hui, “L’Origine du monde” est considéré comme un chef-d’œuvre de l’art réaliste et comme un symbole de la liberté d’expression. Il est également un témoignage de l’époque victorienne et de la répression de la sexualité. Il continue de susciter des débats et des controverses, mais reste indéniablement un chef-d’œuvre majeur de l’histoire de l’art. Il est aujourd’hui exposé au Musée d’Orsay à Paris.
Il est important de noter que le tableau a été peint à une époque où la sexualité n’était pas aussi librement discutée qu’aujourd’hui, et où la représentation de la sexualité de manière aussi explicite était très peu courante. Il a donc eu un impact considérable en brisant les tabous et en ouvrant la voie à d’autres artistes pour explorer librement les sujets de la sexualité et de la nudité dans l’art.
En somme, “L’Origine du monde” de Gustave Courbet est un tableau qui a révolutionné la représentation de la sexualité dans l’art en brisant les tabous de son époque. Il est un témoignage de la volonté de Courbet de montrer la réalité de la sexualité de manière brute et naturelle, sans fards ni idéalisations. Il a également été un symbole de la liberté d’expression en défiant les conventions morales et sociales de l’époque victorienne.
En outre, ce tableau est également considéré comme un chef-d’œuvre de l’art réaliste, en raison de la manière dont il représente la réalité de manière brute et authentique. Il a également été un précurseur de l’art moderne en ouvrant la voie à d’autres artistes pour explorer librement les sujets de la sexualité et de la nudité.
Il est important de noter que, malgré les réactions choquées à son époque, “L’Origine du monde” est aujourd’hui considéré comme un chef-d’œuvre de l’histoire de l’art. Il est exposé dans les plus grandes institutions culturelles du monde, et continue d’inspirer les artistes et les intellectuels à travers le monde.
En résumé, “L’Origine du monde” de Gustave Courbet est un tableau qui a révolutionné la représentation de la sexualité dans l’art en brisant les tabous de son époque. Il est un symbole de la liberté d’expression et de l’audace artistique, et reste un chef-d’œuvre majeur de l’histoire de l’art. Il continue d’inspirer les artistes, les intellectuels et les universitaires à travers le monde, et reste un sujet de débat et de réflexion.
// TRIBUTE TO > Piet MONDRIAN //
PIET FEMALE ABSTRACTION 01
PIET FEMALE ABSTRACTION 01
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PIET FEMALE ABSTRACTION 02
PIET FEMALE ABSTRACTION 02
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PIET FEMALE ABSTRACTION 03
PIET FEMALE ABSTRACTION 03
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PIET FEMALE ABSTRACTION 04
PIET FEMALE ABSTRACTION 04
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PIET FEMALE ABSTRACTION 05
PIET FEMALE ABSTRACTION 05
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PIET FEMALE ABSTRACTION 06
PIET FEMALE ABSTRACTION 06
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PIET FEMALE ABSTRACTION 07
PIET FEMALE ABSTRACTION 07
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FEMALE ABSTRACTIONS – 1920 et plus – Tribute to Piet MONDRIAN
Piet MONDAIN a dit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d’exprimer, avec la plus grande conscience, la beauté générale. »
J’ai souhaité apporter une note de sensualité à cette abstraction pure, en y intégrant les formes douces d’un corps féminin représenté dans diverses postures. Corps féminin représenté lui aussi à partir de formes géométriques simples: carrés, ronds, triangles et droites.
Les tableaux intitulés ‘FEMALE ABSTRACTION’ sont une célébration de l’esthétique de Piet Mondrian et de son influence sur l’art abstrait. Les œuvres présentent des formes géométriques simples, des couleurs primaires et des lignes épurées qui rappellent les célèbres compositions de Mondrian. Les formes féminines, en revanche, apportent une touche personnelle et unique à l’hommage.
Les tableaux évoquent l’idée de la beauté dans la simplicité, tout comme Mondrian l’a fait dans ses propres œuvres. Les couleurs vives et les formes géométriques sont utilisées pour créer une composition harmonieuse, tout en jouant avec les contrastes pour créer de la tension visuelle. Enfin, ces tableaux représentent une interprétation moderne de l’héritage de Mondrian, montrant comment son influence peut continuer à inspirer les artistes contemporains.
Les formes féminines dans les tableaux intitulés “FEMALE ABSTRACTION” apportent une dimension supplémentaire à l’hommage rendu à Piet Mondrian. Ces formes gracieuses et élégantes contrastent avec la rigueur géométrique des lignes de Mondrian, créant ainsi une dynamique intéressante dans les compositions. Les courbes douces et les formes organiques des figures féminines se marient harmonieusement avec les angles droits et les lignes épurées des compositions de Mondrian, créant un équilibre entre la rigueur et la fluidité.
Les formes féminines ajoutent également une dimension symbolique à l’œuvre, en faisant référence à la féminité et à la sensualité, tout en mettant en contraste avec l’austérité générale des compositions abstraites. Ces formes suggèrent également une humanité et une émotion, qui peuvent être considérées comme étant en opposition à l’approche formelle et conceptuelle de Mondrian.
En somme, les formes féminines gracieuses dans les tableaux intitulés “FEMALE ABSTRACTION” apportent une touche personnelle et unique à l’hommage rendu à Piet Mondrian en créant un contraste intéressant avec la rigueur de ses propres compositions, ajoutant une dimension symbolique et émotionnelle à l’œuvre.
- Genèse
- Description
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Ces peintures sont des réinterprétations inspirées d’œuvres majeures des grands artistes peintres ou photographes connus et reconnus de l'histoire de l'art. J'ai choisi de m'inspirer de certaines de leurs œuvres auxquelles j'ai été particulièrement sensible pour créer des œuvres qui leur rendent hommage tout en apportant ma touche personnelle. Mes peintures sont des hommages à la technique, à la composition et à l'inspiration de ces artistes célèbres. Je travaille avec des couleurs vives et des formes expressives pour capturer l'essence de leur style et de leur vision artistique.
Parmi les artistes qui m'inspirent le plus vous ouvre trouver Pablo PICASSO dont j'ai étudié sa période cubiste et j'ai été fasciné par sa capacité à décomposer les formes et les couleurs pour créer des œuvres qui expriment l'essence des choses. J'ai réinterprété l'une de ses œuvres les plus célèbres, "Les Demoiselles d'Avignon", en y apportant ma propre vision, en utilisant des couleurs plus vives et en jouant avec les formes de manière plus expressive.
Edward HOPPER est un autre artiste que j'admire beaucoup. Ses peintures de la vie quotidienne américaine sont remplies de solitude et de mélancolie, et j'ai été inspiré par sa capacité à capturer l'émotion dans ses tableaux.
Piet MONDRIAN est également un artiste qui m'inspire beaucoup. Ses peintures abstraites sont remplies de lignes épurées et de couleurs primaires, et j'ai été inspiré par sa capacité à créer de l'harmonie à partir de la simplicité.
Edouard MANET, un autre artiste que j'admire pour son style réaliste, ses couleurs vives et sa capacité à capturer la vie quotidienne de son époque. J'ai réinterprété l'une de ses œuvres les plus célèbres, "Le déjeuner sur l’herbe", en y apportant ma propre vision.
Willy RONIS est un photographe que j'aime beaucoup pour ses images de la vie quotidienne à Paris, il a su saisir l'essence de la ville avec ses photographies humanistes. J’ai réinterprété l'une de ses photographies les plus célèbres, «Nu provençal", en utilisant la technique de la peinture pour reproduire l'image.
En somme, mes peintures sont des hommages à la technique, à la composition et à l'inspiration de ces artistes célèbres. J'espère que mes peintures vous rappelleront les œuvres majeures des artistes que j'admire et vous inspireront à découvrir ou redécouvrir leur œuvre.
ÉDITIONS SUR ALUMINIUM 3 mm
- 100 x 100 cms - Éditions numérotées limitées à 6 exemplaires.
ÉDITIONS SUR PAPIER D’ART 300 grs
- 20 x 20 cms - Éditions numérotées limitées à 8 exemplaires.
- 30 x 30 cms - Éditions numérotées limitées à 8 exemplaires.
- 40 x 40 cms - Éditions numérotées limitées à 8 exemplaires.
TECHNIQUE
- Technique mixte - C-print réhaussé à l’acrylique fine (pinceau, couteau, feutre), enduit d’un apprêt vinylique appliqué au couteau.
CERTIFICATION
- Chaque édition est accompagnée d’une facture et d’un certificat d'authenticité signé par Semaj.
FICHIERS NUMÉRIQUES
- Sont également disponibles à la vente les fichiers numériques des oeuvres, pour impression. Ces fichiers en format TIFF et/ou PDF, vous permettront d'imprimer les oeuvres à votre convenance jusqu'à une dimension de 140 x 140 centimètres (la signature de Semaj y est intégrée).
- Intéressés? N’hésitez pas à contactez Semaj.
Vous pouvez acquérir les oeuvres disponibles à la vente :
- lors des expositions,
- en contactant Semaj pat mail, par le formulaire disponible en bas de page ou par téléphone,
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